‘Ulster American’: the conversation beneath the edit

„Ulster American“: das Gespräch unter dem Editierprozess

Grá Productions’ Inszenierung von David Irelands Ulster American im Burton Taylor Studio ist ein erstickendes Crescendo sozialer Tabus. Das Premiss klingt zunächst simpel: Ein Schauspieler, ein Regisseur und ein Schriftsteller sitzen in einem Raum und diskutieren ein Stück. Es gibt keine Bühnenbildwechsel oder Pausen, um die Spannung zu lösen. Stattdessen lassen Regisseurinnen Kate Burke und Robyn Hayward das Publikum in einem einzig fortlaufenden Gespräch sitzen, das sich allmählich von beiläufig unangenehm in völlig unerträglich verwandelt. Am Ende des Stücks bleibt das Publikum zwischen Lachen, Abscheu und Erschöpfung schwebend.

Naomi Flexmans Set-Design charakterisierte bereits die Menschen, die darin hausten. Das Burton Taylor verwandelte sich in eine warm chaotische Wohnung voller Bücher, Schallplatten, abgenutzte Decken, die über Sofas drapiert waren, und einer sorgfältig arrangierten intellektuellen Unordnung. Es war vertraut – der Raum jedes selbsternannten kultivierten, woke Mannes – der „performative male“. Das Set war so lebensecht inszeniert, dass ich mich weniger als Theaterbesucher fühlte, sondern eher, als würde ich in die echte Wohnung von jemandem eindringen.

Die Vorführungsprojektionen verstärkten diese Atmosphäre perfekt. Das dokumentarähnliche Video führte die Figuren als artikulierte, selbstbewusste Branchenpersönlichkeiten ein: charmante Kreative, die sich sorgfältig der öffentlichen Darstellung präsentieren. Instinktiv wissen wir beim Zuschauen irgendeiner Reality-Mediaproduktion, dass es immer eine weitere Version der Ereignisse gibt, die im Schnittsaal verbleibt. Ulster American existiert vollständig in diesem unbearbeiteten Raum.

Grá Productions’ Inszenierung von David Irelands Ulster American im Burton Taylor Studio ist ein erstickendes Crescendo sozialer Tabus.

Die Eröffnungsgespräch zwischen dem Schauspieler Jay Conway (Aaron Gelkoff) und der Regisseurin Leigh Carver (Rohan Joshi) beginnt mit einer Diskussion über Rassismus in der Filmbranche und steigert sich anschließend ganz zwanglos in Beleidigungen, Sexismus und sexuelle Gewalt. Der Übergang ist nahtlos. Das Publikum lacht instinktiv, doch bevor der Unbehagen sich vollständig gelegt hat, ist das Gespräch schon wieder weitergezogen.

Hier wird die Produktion wirklich beunruhigend. Ulster American zu sehen fühlte sich an wie ein solcher explosiver Familientisch, bei dem jemand etwas ungeheuer Vorurteilsbehaftetes sagt und alle lachen verlegen, bevor das Gespräch der Konfrontation aus dem Ruder läuft. Das Stück versteht, dass Vorurteil oft nicht deshalb besteht, weil Menschen es offen befürworten, sondern weil Gespräche zu schnell für moralische Verarbeitung voranschreiten.

Gelkoffs Darstellung von Jay Conway ist eine schmerzlich treffende Archetyp eines selbsternannten „netten Typen“ liberalen Kreativen: nachlässige Haltung, übermäßig erklärende Abschweifungen, unterbrechende Sprechmuster, übertriebenes Nachdenken. Zunächst ist seine Nervigkeit fast amüsant. Gelkoff spielt ihn so natural, dass das Publikum sofort den Typ Mann erkennt. Doch allmählich verfestigt sich der Charme zu etwas anderem. Gelkoff übernimmt wiederholt Ausdrücke tiefgründiger Betrachtung und behandelt auch seine albernsten Gedanken, als verdienten sie philosophische Erwägung. Seine laute amerikanische Manier funktionieren hervorragend gegen die zurückhaltende Britischkeit der anderen Figuren und verwandeln ihn in eine groteske Inszenierung maskuliner künstlerischer Authentizität.

Zu Beginn scheint Leigh (Rohan Joshi) Jay’ Exzesse zu widerstehen. Im Gegensatz zu Jay zeigt Leigh Demut. Er präsentiert sich als moralisch wach, intellektuell ernst und leise fortschrittlich – die Art britischer Kreativer, deren Arroganz sich als Selbstabwertung tarnt. Doch diese Illusion bricht rasch zusammen. Joshi spielt Leigh mit einer performativen britischen Demut, die sich langsam als genauso eigennützig wie Jays Ego entlarvt. Seine vermeintlich unschuldigen philosophischen Fragen sind nie wirklich unschuldig. Er rahmt sich selbst als kritisch gegenüber Vorurteilen, während er fortlaufend die Gespräche genießt, vor denen er behauptet, sich unwohl zu fühlen. Wenn Jay offen unerträglich ist, ist Leigh heimtückisch genau deshalb, weil er versteht, wie man seine Grausamkeit unter Ironie und Selbstbewusstsein versteckt.

Colgan’s Performance ist ausgezeichnet.

Etwa zur Hälfte des Stücks tritt Ruth Davenport (Caeli Colgan) ein – die Autorin des Stücks, über das sie diskutieren sollen – und lenkt das Unbehagen. Bis zu diesem Moment hatten Jay und Leigh gedanklich wirre Gedanken ohne Folgen ausgetauscht. Ruths Eintritt verwandelt den Raum in eine Art professionelles Umfeld und zwingt beide Männer, sich wieder zurechtzulegen.

Colgan’s Darstellung ist hervorragend, weil Ruth zunächst tatsächlich begeistert wirkt, mit diesen Männern zusammenzuarbeiten. Ihre Wärme und Begeisterung macht den allmählichen Zusammenbruch des Gesprächs umso schmerzhafter zuzusehen. Ihre Optimismus kippt langsam in Unglauben, als Leigh ihr von Conways Debatte über „wen er vergewaltigen würde“ erzählt, während er die Tatsache weglässt, dass er sich überhaupt an dem Gespräch beteiligt hat und eine Antwort gegeben hat. Es scheint, er teilt ihr das Ganze mit, um sich zu entlasten, sie zu zwingen, Conway (einem erwachsenen Mann) die Parameter dessen, was richtig und falsch ist, zu erklären. Das wechselt zu Abscheu und Erschöpfung, wenn jeder Funken Vertrauen und Hoffnung auf Anstand darunter leidet. Was den zweiten Teil so frustrierend macht, ist die Art, wie Jay und Leigh ständig die Sprache feministischer Verbündung verwenden, den Zuhörern Ruth jedoch keineswegs wirklich zuhören. Sie beharren darauf, dass die Stimmen von Frauen wichtig seien, dass Männer „ruhig sein und zuhören“ sollten, während sie genau das Gegenteil tun.

Ihr Streit über Frauenfeindlichkeit, politische Rechtsausrichtung und nationale Identität kommt zum Stillstand, als Ruth erfährt, dass ihre Mutter gestorben ist. Anstelle von Beileidsbekundungen erkennen die Männer, dass sie nicht zu den Proben kommen kann (weil sie trauern wird) und beschließen, sie zu nutzen und zu planen, ihr Stück vollständig zu verändern. Sie halten ihr Handy gefangen, damit sie nicht über ihre frauenfeindlichen Kommentare twittern kann, um ihren Ruf zu schützen. Die kümmern sich nicht. Sie hören nicht zu. Warum auch, wenn das System, das für sie funktioniert, so gut arbeitet?

Das Stück treibt Ruth in genau das „ hysterische Weib“-Trope, das diese Männer zweifellos zu bekämpfen behaupten würden. Entweder bleibt sie ruhig und wird ignoriert, oder sie reagiert emotional und wird zum Beleg für „das weibliche Unvernunft“. Colgan meistert diese Eskalation brillant, indem Ruths Körperlichkeit und stimmliche Kontrolle allmählich unter dem Druck des ständigen Unterbrechens, Neudefinierens und Herabwürdigens zerbrechen. Die Männer versuchen wiederholt, sie als Problem neu zu positionieren, indem sie ihre Unterstützung für Thatcher nutzen, als ob eine unbeliebte Meinung irgendeine Form von Gewalt übertrifft. Ich denke, genau das behandelt das Stück so gut – es gibt keine Rechtfertigung für Vergewaltigung. Das Stück konfrontiert die Vorstellung, dass eine ideologische Uneinigkeit zu einer Ablenkung von der Bedrohung selbst werden sollte. Es ist heute relevanter denn je, wenn gesichtslose Männer Vergewaltigung in sozialen Medien androhen, weil sie nicht zustimmen oder sich unwohl fühlen, wenn Frauen sich ausdrücken. Es ist beschämend.

In der letzten Szene saß ich am Rand des Sitzes.

Während des größten Teils der Aufführung wirkt das warme Licht, um die Illusion eines gemütlichen, gelebt-intellektuellen Raums zu wahren. Doch in den letzten Momenten verschwindet diese Wärme völlig. Der Raum wirkt nicht mehr häuslich. Das gemütliche Wohnzimmer schwindet dahin, bis nur noch die drei Figuren selbst übrig bleiben: roh, defensiv, gewalttätig. Von ihren kuratierten Personas befreit, wirken sie nicht mehr wie aufgeklärte Kreative oder fortschrittliche Intellektuelle, sondern wie rein instinktive Menschen, die verzweifelt um ihr Leben, ihren Ruf und ihre Moral kämpfen.

Und wenn Ruth schließlich „jetzt kannst du deine verdammte Augenklappe tragen“ spuckt, nachdem sie ihm zuvor mit einem Stift aus einem Topf auf dem Boden getroffen hat, trifft diese Linie mit großer Befriedigung. Sein alberner Wunsch nach einer Augenklappe untergräbt Ruth’ Ansichten über sie als Autorin weiterhin. Sie instrumentalisiert diese Fantasie vollständig gegen ihn. Doch das letzte dokumentarische Video erzeugt Bathos. Ruth wird als hysterisch bezeichnet und die Männer „beten, dass sie die Hilfe bekommt, die sie braucht“, während sie das kritische Lob genießen und vom Publikum nicht zur Rechenschaft gezogen werden.

Was das Ende so wirksam macht, ist, dass das Stück schließlich jegliche Ideologie verlässt. Das Stück ist durch Politik, Feminismus, Authentizität, Verbündschaft und Kunst gerahmt, aber in den letzten Momenten stürzen diese Rahmenbedingungen vollständig unter dem Gewicht roher Selbstbehauptung ein. Pure menschliche Verzweiflung.

Grá Productions fängt diese erstickende Realitätsnähe perfekt ein.

Man beginnt das Stück mit Lachen, man verlässt es, weil man sich dafür schämt, dass man es getan hat.

Der Beitrag „Ulster American: the conversation beneath the edit“ erschien zuerst bei The Oxford Student.

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3. Juni 2026, 23:34 Uhr

Hinweis: Text wurde ins Deutsche übersetzt. Der ursprüngliche Link blieb unverändert.

June 3, 2026 at 11:34PM